CAPÍTULO  I

POLÍTICAS DEL CUERPO

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Making of América Latina 1960-2013, Fondation Cartier pour l' art contemporain, Paris, Francia.

El 5 de noviembre de 2017, cuando fallece Graciela Sacco, se firma el compromiso de prácticas feministas en el arte y se forma el colectivo Nosotras Proponemos. Al volver visibles comportamientos patriarcales, este activismo propuso la revisión de las prácticas de instituciones y actores del mundo del arte. Los afiches intervienen las calles con las agendas del feminismo en el arte y en la vida contemporánea.

Andrea Giunta, Notas Pensar Todo de Nuevo

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Video realizado en la Reserva ecológica, Costanera Sur, Buenos Aires, de Imagen Pública- Altas esferas, 1993.

Extraído de Frenesí, 1994, video-catálogo muestra retrospectiva Liliana Maresca.

Realización Adriana Miranda, producción Liliana Maresca y Adriana Miranda.

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Biopolítica, formas de reproducción de la vida, pensar el cuerpo de nuevo. Esta es la pulsión que transmite el video Satisfecha de Joiri Minaya. Al tiempo que moja en café y azúcar formas blandas, de tela con relleno, la artista las introduce en su boca, hasta ocuparla en extremo. El café y el azúcar remiten a la condición colonial que se replica en la forma de forzar los límites del cuerpo. Se trata de una mujer. En su trabajo Joiri investiga cómo se articulan los estereotipos del género y la raza en las miradas sobre el cuerpo femenino de una mujer del Caribe, abordada como un sujeto exótico.

Andrea Giunta, Notas Pensar Todo de Nuevo

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BIOGRAFÍAS | CAPÍTULO I

Graciela Sacco (b. 1956-2017). Santa Fe, Argentina.

Graciela Sacco se graduó en 1987 con una tesis dedicada a las vanguardias argentinas de los años 60. Las expresiones artísticas de aquella década habían establecido fuertes lazos entre el experimentalismo artístico y el compromiso social, culminando en Rosario, su ciudad natal, con “Tucumán Arde”, experiencia reconocida internacionalmente como un hito del Conceptualismo político. Aquella generación de artistas había sido duramente reprimida por la dictadura militar que tomó el país desde 1976 hasta 1983. Sus trabajos están relacionados con la luz y la gráfica. Desde sus comienzos y a lo largo de su trayectoria, sus producciones invitan a reflexionar sobre la violencia política y social. El uso de diferentes procesos fotosensibles le han permitido materializar ideas y conceptos de forma particular que ha hecho que su trabajo porte una fuerte identidad artística. Los tránsitos, los exilios, las migraciones, los núcleos de conflicto social se hacen presentes en episodios de distinta distancia epocal. En su obra las citas van y vuelven y adquieren un sentido circular, hasta ubicarse en una instancia atemporal que se impone también en el presente.Su obra ocupa hoy una posición prominente dentro de la escena del arte contemporáneo mundial. Ha representado a la Argentina en diversas bienales internacionales incluyendo Shanghai (2004), Venecia (2001), La Habana (1997 y 2000), Mercosur (1997) y San Pablo (1996), entre otras. Ha sido galardonada con numerosos premios y reconocimientos, tales como el Artista del año, por la Asociación Argentina de Críticos (2001) y el Premio Konex (2002-2012), entre otros. Ha publicado numerosos libros tales como “Nada Esta donde se cree” (2015), “M2 Volumen I” (2009), “Sombras del Sur y del Norte” (2004), “Imágenes en turbulencia: Migraciones, cuerpos y memoria” (2000), “Escrituras solares” (1994). Sus obras y su trayectoria han sido catalogadas en importantes publicaciones líderes tanto nacionales e internacionales tales como America’s Society Magazine, Bomb, Art Nexus, Art News, Art in Americas y el New York Times. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Argentina, Inglaterra, Alemania, Francia, Suiza, Israel, Estados Unidos, México, Brasil, Cuba y Perú. Hoy en día, su trabajo forma parte de colecciones nacionales e internacionales tanto públicas como privadas como MAMBA – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina; MACRO – Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Argentina; Museo del Bronx en New York, EEUU; MFAH – Museo de Bellas Artes de Houston, EEUU; Museo de Arte de Fort Lauderdale, EEUU; Colección Microsoft, Washington, EEUU; Capitolio Policultural, Porto Alegre, Brasil; Essex University, Colchester, Inglaterra; entre otras. 

Nosotras Proponemos. (Colectivo creado en 2017) Buenos Aires, Argentina.

Es un Compromiso de práctica artística feminista. Asamblea Permanente de Trabajadoras del Arte. Ante la generalizada señal de alerta que circuló visibilizando las formas de acoso sexual que condicionan las relaciones de poder en el mundo del arte, nosotras, artistas, curadoras, investigadoras, escritoras, galeristas, trabajadoras del arte, elaboramos un compromiso de prácticas feministas. Este documento, al que invitamos a adherir, busca crear conciencia sobre las formas patriarcales que, como una membrana invisible, moldean el ejercicio del poder en el mundo del arte. La carta abierta “No nos sorprende” realizó un “llamado a las instituciones, mesas directivas y demás colegas, para que piensen bien cómo juegan, o pueden haber jugado, un papel en la perpetuación de diferentes niveles de inequidad sexual y abuso, y cómo van a manejar estos problemas en el futuro”. En este compromiso de prácticas feministas proponemos expandir la conciencia acerca de los comportamientos patriarcales y machistas que dominan el mundo del arte y que regulan nuestras formas de posicionarnos. Este compromiso se identifica, en primer lugar, con la histórica exclusión y desvalorización de las artistas mujeres, pero sus propuestas pueden ser asumidas por mujeres, varones o cualquier identidad no normativa. Se propone como una guía de prácticas personales e institucionales que invitamos a seguir.

Liliana Maresca (Avellaneda, Buenos Aires, 1951 - † Buenos Aires, 1994)

Liliana Maresca fue una figura clave que participó del acontecer artístico desde comienzos de los años ochenta, protagonizando la entusiasta bohemia juvenil que detonó en Buenos Aires a partir de los primeros años de la democracia, transformándose rápidamente en una figura de inflexión que inicia y desarrolla muchas de las vanguardias que caracterizarán el arte de los años noventa. Su actividad incluyó pinturas, objetos, esculturas, instalaciones, performances y foto-performances. Sus trabajos recogen el espíritu neo-dadá, los modelos minimalistas y las estrategias conceptuales que dominaron el panorama artístico de la segunda mitad del siglo XX en la Argentina, entrecruzados con el repertorio iconográfico de la alquimia y de las búsquedas espirituales, valiéndose de los recursos tecnológicos que la época le ofrecía, sin olvidar en ningún caso la necesaria elaboración poética. En Maresca existió la voluntad de situarse fuera de las convenciones y también el deseo de explorar hasta el límite ciertos territorios. Estos principios que la han ubicado en un plano de resistencia son los que proveen de substancia única a toda su obra. Sus obras hoy forman parte de reconocidas colecciones tales como: MALBA, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Argentina; MAMBA, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina, MNBA, Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina; MACRO, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Argentina; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España; TATE Modern, Londres, Inglaterra, entre otras.

María Teresa Hincapié (b. 1956 - 2008). Bogotá, Colombia.

María Teresa Hincapié fue una artista colombiana pionera de la performance en su país y, sin duda, una de las más influyentes en Latinoamérica. Inició su carrera artística vinculada al teatro y formó parte del grupo Acto Latino a partir del cual de- sarrolló su propia danza-teatro-ritual inspirada en técnicas orientales. Luego de viajar por México, Europa y Asia, Hincapié regresó a Colombia y comenzó una búsqueda de espacios alternativos para sus expresiones artísticas. En ese entonces, se vinculó con artistas como Doris Salcedo, José Alejandro Restrepo, y Álvaro Restrepo. Su versión de Desde la huerta de los mudos (1986), un homenaje a Federico García Lorca que realizó en colaboración con Álvaro Restrepo, marcó el comienzo de la fusión entre el teatro y las artes visuales que la artista desarrolló a lo largo de su obra. Un año más tarde se introdujo en el ámbito de la performance a partir de Parquedades (1987), un trabajo del artista José Alejandro Restrepo, que la desprendió absolutamente de las formas teatrales y de la noción convencional de ‘espectáculo’. Hincapié ha abordado en su obra cuestiones en torno a la condición femenina, la cotidianidad doméstica y la maternidad. A partir de un riguroso manejo del cuerpo y un gran sentido del espacio intervenido, el tiempo es uno de los aspectos cruciales de su obra. Los ritmos detenidos y tensos de sus presentaciones crean un ambiente en muchos casos opresivo y abiertamente crítico de determinadas circunstancias de alienación social y sexual. Hincapié realizó acciones que llevaron el esfuerzo físico a límites que ponían de manifiesto el dolor como expresión íntima y universal.La artista colombiana obtuvo el primer premio del XXXIII Salón Nacional de Artistas de Colombia de 1990 con la obra Una cosa es una cosa y por segunda vez en el año 1996 por la obra Divina proporción. Además, ha participado en exhibiciones y ferias in- ternacionales como I Bienal de Valencia - The Body of Art Bienal de Valencia (2001), 51 International Art Exhibition - Always a little further La Biennale di Venezia (2005), 27° Bienal de São Paulo (2006).

José Alejandro Restrepo (b. 1959). Bogotá, Colombia.

José Alejandro Restrepo es un reconocido video-artista nacido en París, Francia, pero reside y trabaja en Colombia desde 1980. Restrepo es una figura central del arte contemporáneo de América Latina con más de treinta años de producción que forma parte del panorama histórico de las artes electrónicas en nuestro continente. Su formación e intereses son variados y abarcan desde las artes visuales y escénicas, la instalación, la fotografía, la performance y la producción editorial, constituyéndose como modelo de artista contemporáneo que opera desde la hibridez. Asimismo, su trabajo dialoga con la imagen documental a través de una obra exhibida bajo diversos formatos y dispositivos, focalizada en la crítica de las relaciones entre arte, historia, medios, religión y política. Su obra se exhibe regularmente en Europa, América Latina y Estados Unidos. Entre sus exposiciones individuales se pueden mencionar Teofanías (2008, Museo de Antioquia, Medellín); TransHistorias: mito y memoria en la obra de José Alejandro Restrepo (2001, Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá), Musa paradisíaca (1997, Museo de Arte Moderno, Bogotá), Anaconda (1993, Aphone en Geneva, Suiza) y Terebra (1988, Museo de la Universidad Nacional de Bogotá). Realizó también exposiciones colectivas como Botánica política (2004, Fundación la Caixa, Barcelona) y Cantos/cuentos colombianos (2004, Contemporary Colombian Art en el Daros-Latinamerica, Zurich), Tempo (2002, Museum of Modern Art –MoMA-, Nueva York), Arte y violencia en Colombia (1999, Museo de Arte Moderno, Bogotá), The Sense of Place (1998, Centro de Arte Reina Sofía, Madrid). Participó, entre otras, de la 52 Bienal de Venecia (2007), Bienal de Mercosul (Porto Alegre, 2011), Bienal de Lyon (2011), Museo del Quai Branly (2013) y The Museum of Fine Arts (Houston, 2015).

Silvia Rivas (b. 1957). Buenos Aires, Argentina.

Artista visual con un cuerpo de obra que se distingue por materializarse en soportes diversos. Egresada de la Escuela de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón” en 1981, paralelamente con sus estudios se forma con Kenneth Kemble y Víctor Grippo.A partir de 1990, S.R. incorpora la videoinstalación en su producción participando en importantes muestras colectivas como Videoarte internacional, Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), 1990; Arte argentino actual en la Colección MALBA, 2011; o Migraciones en el arte contemporáneo, Centro de Arte Contemporáneo Hotel de Inmigrantes (MUNTREF), 2015. En 2001 presenta en la sala Cronopios, Centro Cultural Recoleta, la videoinstalación de 12 canales Notas sobre el tiempo, en 2004 y 2005 respectivamente presenta Todo lo de Afuera en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMbA), y Pequeño Acontecimiento en el Espacio Fundación Telefónica. En 2010 muestra en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) videoinstalaciones y dibujos de la serie Zumbido, de la que luego hará montajes especí]icos para Fundación Proa y el Museo Municipal de Bellas Artes J. B. Castagnino, Rosario. En 2015 realiza la muestra Igual el paraíso es nuestro en Diana Lowenstein Gallery, Miami, y presenta instalaciones de la serie Momentum en la galería Rolf Art de Buenos Aires. S.R. representado a la Argentina en la Bienal de Mercosur, Porto Alegre, ediciones 3o y 5o y en la 8o Bienal de La Habana. Entre otras distinciones, en 2001 recibe la beca John Simon Guggenheim y el Premio Konex diploma al mérito correspondiente al quinquenio 1997-2001 y, en 2002, el premio al Video Argentino en la Bienal de Arte del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA); en 2005, la beca-residencia para postproducción de video del Wexner Center for the Arts, Columbus, Ohio. En 2006 y 2007, obtiene el tercer y segundo premio, respectivamente, del Salón Nacional de Artes Visuales en Nuevos Soportes e Instalaciones. En 2012 recibe el Premio Konex diploma al mérito correspondiente al decenio 2002-2012. Su obra integra colecciones nacionales e internacionales tanto públicas como privadas como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMbA), la Colección Amalia Lacroze de Fortabat, el Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRO), entre otros. 

María José Arjona ( b.1973) Bogotá, Colombia.

María José Arjona es una de las artistas visuales y performers contemporáneas más importantes de Colombia y América Latina, reconocido a nivel internacional. A finales de los noventa, pasó de la danza contemporánea a las artes vi- suales, creando un cuerpo de trabajo multifacético y penetrante. Su práctica se basa en largas performances cuyo enfoque principal es el concepto del tiempo, con una influencia evidente de su antecesora, María Teresa Hincapié. Graduada de la Academia Superior de Artes de Bogotá. Ha mostrado su trabajo en varios museos, galerías y eventos internacionales, entre los que se destacan la Tercera Trienal de Guangzhou (China, 2008), “In-Transit”, Haus der Kulturen der Welt (Alemania, 2009), la Bienal Cuadrilateral de Croacia (2011), el Museo MADRE (Italia, 2010), Irregular Hexagon (Israel, 2012), la Bienal de Marruecos (2012), DOIT (Reino Unido, 2013), el 43 Salón Nacional de Artistas (Colombia, 2014), NC-arte (Colombia, 2014), La Caixa Forum (España, 2015), FLORA ars+natura (Colombia, 2015) y Kunsthalle Osnabrück (Alemania, 2016), entre otras. También participó como re-performer para la retrospectiva de Marina Abramovic en MoMA (Nueva York, 2010) y en el programa de artistas en residencia del Watermill Center (Nueva York, 2009). Su obra forma parte de diferentes colecciones públicas y privadas en Colombia, Estados Unidos, Europa y Asia. Recientemente recibió el Premio Museo La Tertulia, 2020 en su primera edición reconociendo la trayectoria de la artista.

Joiri Minaya (b. 1990) Estados Unidos - República Dominicana.

Joiri Minaya es un artista multidisciplinaria dominicana-estadounidense cuyo trabajo investiga el cuerpo femenino dentro de construcciones de identidad, espacios sociales y jerarquías multiculturales. Nacida en Nueva York, EE. UU., Creció en la República Dominicana. Se graduó de la Escuela Nacional de Artes Visuales de Santo Domingo en la República Dominicana (2009), la Escuela de Diseño Altos de Chavón (2011) y Parsons, la Nueva Escuela de Diseño (2013). Ha participado en residencias como Skowhegan School of Painting and Sculpture, Guttenberg Arts, Smack Mellon, BronxArtSpace, Bronx Museum’s AIM Program, NYFA Mentoring Program for Inmigrant Artists, Transmedia Lab en MA Scène Nationale, Red Bull House of Art Detroit, Lower East Artista clave del taller de impresión lateral, Sócrates Sculpture Park, Art Omi y Vermont Studio Center. Minaya ha exhibido internacionalmente en todo el Caribe y los Estados Unidos. Es becaria de la Fundación Nancy Graves, la Fundación Rema Hort Mann (Beca para artistas emergentes), la Fundación Joan Mitchell (Subvenciones para artistas emergentes y pintores y escultores), el Gran premio y Premio del Público XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes, Premio de la Exposición Centro de la Imagen (DR) y Gran Premio de la XXVII Bienal en el Museo de Arte Moderno (DR).

CAPÍTULO  I

POLÍTICAS DEL CUERPO

CAPÍTULO  III

AFECTOS

 

CAPÍTULO  IV

MEMORIAS QUE 

SON PRESENTE

 

CAPÍTULO  V

SIGNOS URBANOS

 

CAPÍTULO  VI

 

CUERPOS Y

NATURALEZA

 

PENSAR TODO DE NUEVO

Andrea Giunta

Curadora

Escritora, curadora y profesora de la Universidad de Buenos Aires, en la que obtuvo su doctorado. Es investigadora principal del CONICET, Argentina e investigadora visitante en la Universidad de Texas, Austin, Estados Unidos. Entre los premios con los que fue galardonada se destacan las becas Guggenheim, Rockefeller, Getty, Harrington y Tinker, y en tres oportunidades recibió el premio Konex. Es autora de varios libros sobre arte latinoamericano, entre ellos Vanguardia, internacionalismo y política. Arte argentino en los años sesenta (2001), Postcrisis. Arte argentino después del 2001 (2009), El Guernica de Picasso: el poder de la representación. Europa, Estados Unidos y América Latina (2009), Objetos mutantes. Sobre arte contemporáneo (2010), Escribir las imágenes. Ensayos sobre arte argentino y latinoamericano (2011), ¿Cuando empieza el arte contemporáneo? (2014), Feminismo y arte latinoamericano. Historias de artistas que emanciparon el cuerpo (2018), Contra el canon. El arte contemporáneo en un mundo sin centro (2020). Fue curadora de la retrospectiva de León Ferrari, CCR (2004), co-curadora de Extranjerías, MUAC (2012), Verboamérica, Malba (2016), Radical Women. Latin American Art, 1960–1985 (2017–2018, Hammer Museum, en Los Angeles, Brooklyn Museum, Nueva York, y Pinacoteca de São Paulo), curadora de la Bienal 12, Mercosur, Porto Alegre (2020). 

María Carolina Baulo

Colaboradora

Licenciada en Artes por la Universidad de Buenos Aires (Diploma de Honor), Curadora independiente desde 2009 con más de treinta muestras desarrolladas junto a destacados artistas visuales en importantes galerías de arte argentinas, museos y centros culturales. Se desempeña como escritora-crítica para varios medios nacionales e internacionales especializados en arte contemporáneo: Sculpture Magazine (U.S.A), Diario Clarín-Cultura (Argentina,) Revista Ñ (Argentina), Revista de Semiótica Ad Versus (Argentina), Hoornik Collection Art Magazine (Argentina) entre otros. Profesora universitaria de posgrado invitada por la Universidad Del Salvador desde 2013, asesora de artistas, coleccionistas y espacios de arte. Con estudios en el campo del Cine, Teatro y Fotografía, entre otras actividades coordina grupos de estudio y reflexión sobre estética y arte contemporáneo. Miembro de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (AACA).

Julieta Tarraubella 

Diseño web e Identidad Visual

Artista visual & Diseñadora de Imagen y Sonido egresada de la Universidad de Buenos Aires. En 2014 ganó la Beca Escala AUGM para estudiar Artes Visuales y Medialogía en UNICAMP, Brasil. Fue seleccionada en 2015, para el programa de pasantías de la Colección Peggy Guggenheim, Venecia, Italia. Durante 2017, participó en el Programa de Cine de la Universidad Torcuato Di Tella. Sus principales profesores y tutores han sido Gabriel Valansi, Nicola Costantino, Gabriel Rud, y Andrés Di Tella. Fue premiada en la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires 2019 para realizar una residencia en Pivô, Brasil. Su obra ha sido exhibida en instituciones como el Centro Cultural San Martin, UV Estudios, cheLA, UTDT, Espacio Fundación Telefónica, CCM Haroldo Conti, entre otras. Entre 2011 - 2018 se desempeñó como productora y asistente de diversos artistas visuales e instituciones, hoy trabaja como Directora Artística de la galería Rolf Art. Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina.

Florencia Giordana Braun

Diseño web e Identidad Visual

Florencia Giordana Braun es Lic. en Relaciones Públicas e Institucionales, con un posgrado en Gestión Cultural Internacional y en Art Bussiness. En 2009 Fundo Rolf Art, la única galería especializada en fotografía del país, con el fin de contribuir a la producción y apreciación del arte contemporáneo y empujar los límites de las artes visuales. Desde entonces abocada a la galería ha contribuido en el posicionamiento de la obra de artistas latinoamericanos en la escena nacional e internacional, desarrollando un importante programa de exhibiciones y formación en la galería, llevando acabo una sostenida participación en las ferias mas importantes del mundo como Paris Photo, AIPAD, Photo London, SP-Arte, Zona Maco, Lima Photo, arteBA entre otras, gestionando la incorporación de obras en instituciones de renombre como lo son TATE (Londres, Inglaterra); MoMA y MET (NYC, USA); MFAH (Houston, USA), Reina Sofía (Madrid, España), MALI (Lima, Perú), Banco de la República de Colombia (Bogotá, Colombia); MUAC, Mexico; MNBA, MAMBA y MALBA (Buenos Aires, Argentina) entre otras, además de en múltiples colecciones privadas; legitimando las expresiones visuales de nuestra región en el mundo.

ROLF ART
 

Florencia Giordana Braun

Directora


Camila Knowles

Co-Directora


Julieta Tarraubella

Directora artística


Florencia Rugiero

Productora


Pedro Salusso

Programador & Diseño Web

 

Agradecimientos

Amapola Alderete

Sebastian Alderete

Rob Verf
Andres Garcia la Rota 
Adriana Miranda 

Sergio Quattrini

Jean Luis Larivière
Adriana Lauria
Agustín Sacanell

Agustina Scuderi 

Oso Marsan

Nora Fisch 

Barro Arte Contemporáneo

Henrique Faria Fine Art NYC
Herlitzka + Faria BA

Fondation Cartier pour l' art contemporain

Risd Museum

Pablo Helguera

Fernando Davis

Archivo Marta Minujín

Revista LUR

Mane Adaro

Ediciones Larivière

Florencio Noceti 

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PRENSA, VIDEO CONFERENCIAS

& CONVERSATORIOS